BOBBI HUMPHREY - PRIMERA DAMA DE HAMELIN

Bobbi Humphrey fue la intérprete de flauta más talentosa, popular y reconocida del jazz de la década del '70, y su aporte fue fundamental en la configuración del nuevo sonido que el sello Blue Note logró brindarle a la época. La joven logró impresionar al mismísimo Dizzy Gillespie, quien tuvo la posibilidad de verla (y de sentirse hechizado cual roedor ante los sonidos del flautista de Hamelin) en un concurso de talentos que la aun adolescente flautista estaba dando en una universidad del sur de Texas. Gillespie la convenció de emprender una carrera discográfica trasladándose hacia Nueva York, cosa que Humphrey no demoró en hacer, como tampoco en ganarse rápidamente los favores del público con sus presentaciones en vivo en las noches neoyorquinas, que incluyeron una presentación en vivo en el Apollo Theater -lugar donde también la supo romper James Brown con un histórico registro en vivo en 1963- y una gira con Duke Ellington.

BOBBI HUMPHREY

Humphrey firmó un contrato con Blue Note en 1971, año en el que lanza su primer disco, Flute In, el primero de una serie de seis con el sello, que supieron ser éxitos de venta y reconocimiento, con la inestimable ayuda de los hermanos Minzell en la producción, arreglos y composición. Y si bien es innegable la importancia del aporte de los hermanos Minzell, en el pico de su creatividad en ese entonces, es la misma Bobbi Humphrey la que mejor sostiene y defiende sus virtudes no solo en la ejecución de su instrumento -que en mucho remite en su estilo a los dos gigantes de la flauta en el jazz, Herbie Mann y Hubert Laws-, sino también en su actitud arriba del escenario y sus dotes como cantante, como lo demuestra en un par de baladas del que quizés sea su disco más significativo, Blacks And Blues (1973). Para ese mismo año, Humphrey obtenía su consagración presentándose en vivo en el Festival de Montreaux en Suiza, además de haber sido elegida por la revista Billboard como la mejor instrumentalista femenina en 1976.

En 1977 Humphrey cambia de discográfica, mudándose hacia Epic, y lanza su primer disco alejada de Blue Note, Tailor Made. También colabora en el disco Songs In The Key Of Life de Stevie Wonder, de quien ya había sabido versionar You Are The Sunshine of my Life en el último tema del disco Satin Doll (1974).

La década del '80 encuentra a Humphrey tomando un largo receso en cuanto a lanzamientos discográficos que solo interrumpiría con algunas interpretaciones en vivo y un lanzamiento a fines de la década, City Beat (1989), su participación para jingles de avisos publicitarios o en cortinas de shows televisivos como el de Bill Cosby. Este período estaría también marcado por la activa participación que la artista tomaría en numerosas causas humanitarias -sí, Bobbi Humphrey cumple con varios de los lugares comunes de los artistas a quienes el éxito supo acompañar en sus trayectorias- que la llevaron a brindar un discurso frente a la Asamblea General de las Naciones Unidas por los derechos de la mujer en Etiopía.

En la década del '90 Bobbi Humphrey firma un acuerdo comercial con la compañía Warner Bros Records para, finalmente, lanzar su propio sello discográfico a mediados de la década, Paradise Sounds, en el que editaría su, hasta el momento, último disco original, Passion Flute (1994).

Hemos hablado en demasía de la trayectoria profesional de esta genial flautista, pero no hemos emitido hasta el momento juicios de valor sobre sus trabajos. De más estaría aclarar que para todos aquellos a quienes les resulte irresistible el aporte de la flauta en el soul y el funk, encontrarán en Bobbi Humphrey un nuevo vicio a largo plazo. El estilo de Humphrey no solo es virtuoso sino también grácil, lleno de matices, rara vez cae en alardes exhibicionistas -más bien creo que nunca- y se integra con comodidad y amabilidad a la atmósfera circundante, sin perder nunca noción de la melodía ni del ritmo. Es en los discos realizados para el sello Blue Note donde mejor se resumen todas estas características, y que mejor se complementan con el encanto musical de la época.

Debajo les dejo una selección discográfica de la artista de la que, al igual que tantos otros recomendados en este espacio, no resulta nada fácil acceder a sus trabajos. De hecho, no tengo registro de haber encontrado ninguno de sus discos en alguna disquería de la Argentina, ni siquiera en las de catálogos más selectivos. Aporto un dato que vine omitiendo en entradas del blog anteriores, relacionado con la importancia de la descarga de mp3's a la hora de conocer el trabajo de ciertos artistas. En mi caso en particular pude acceder al conocimiento de la obra de Bobbi Humphrey merced a sus esporádicas intervenciones en compilados del sello Blue Note -como el realizado por el colectivo musical alemán Jazzanova en el 2005, o el de Bobby Flores de ese mismo año, centrado en el funk- que me llevaron a interesarme por profundizar en el conocimiento de los trabajos de la flautista pero que ante la falta de disponibilidad de los mismos por vias legales, me hicieron recurrir a las bondades del Soulseek, programa esencial en la descarga de archivos musicales y que de ahora en más recomiendo que siempre tengan presente, particularmente si les interesa llegar al alcance de alguno de los artistas que se mencionen en este blog.

DIG THIS (1972)
Blue Note

BLACKS AND BLUES (1973)
Blue Note

FLUTE IN (1971)
Blue Note

FANCY DANCER (1975)
Blue Note

SATIN DOLL (1974)
Blue Note

PASSION FLUTE (1994)
Paradise Sounds

DONALD BYRD - PAJAROS DE FUEGO SOBREVOLANDO EN EL CIELO DEL JAZZ

El revoloteo de un pájaro inquieto como Donald Byrd solo pudo traer como consecuencia la inquietud de su medio ambiente, que procuró alejar su vuelo circular alrededor de su cabeza como quien trata de alejar a un insecto molesto que se hace anunciar ya desde lejos con su zumbido. Donald Byrd le produjo más de un dolor de cabeza (u oído) a la comunidad jazzera de su época. Es que hay dos etapas claramente diferenciadas en la trayectoria de este extraordinario trompetista, que tenía el terreno más que preparado para ocupar un lugar de privilegio en un eventual museo de celebridades del género, pero que se resistió a ser momificado para sobrevolar en caminos de ripio, mucho más incómodos pero que, en su caso, también resultaron ser bastante fértiles.

AS EN LA MANGA
Donald Byrd

El "primer" Donald Byrd fue un joven trompetista que contando apenas con 22 años de edad, podía presumir de haber tocado junto al célebre vibrafonista Lionel Hampton, de haber obtenido su licenciatura en música y de haber ido a obtener su maestría a Nueva York, donde se estableció dando comienzo a su carrera discográfica, a la par de recibir invitaciones para formar parte de los Jazz Messengers de Art Blakey, ocupando el lugar que en otro tiempo supieron obtener sus antecesores, ni más ni menos que Clifford Brown y Kenny Dorham.

Tras su llegada a Nueva York y la incorporación a los Jazz Messengers, comienza a realizar grabaciones para el sello Savoy y también para Prestige. En el transcurso de la década del '50 Byrd se reparte el tiempo entre sus grabaciones para ambas discográficas y sus colaboraciones con músicos como John Coltrane, Sonny Rollins y Max Roach, para finalmente, en el año 1958, firmar un contrato para Blue Note, donde comenzaría una fructífera serie de trabajos que se adscriben cómodamente al rótulo de hard bop. En estrecha colaboración con el saxo barítono Pepper Adams, ambos realizan una serie de registros notables que incluyen Off To The Races (1958), Byrd In Hand (1959), At The Half Note Cafe, Vols. 1 & 2 (1960) y The Cat Walk (1961), que lo posicionaron inmediatamente como el trompetista mas importante de la era posterior a Clifford Brown.

OFF TO THE RACES (1958)
Blue Note
Disco debut de Donald Byrd en el prestigioso sello. En sus célebres portadas solía estar siempre apoyado sobre la carrocería de un auto.

El músico no eligió dormirse en los laureles y en ese período febril abundante en creaciones personales y colaboraciones musicales, decidió tomarse un año sabático para extender sus estudios en Europa, donde recibe la tutela musical de Nadia Boulanger. A su regreso a Estados Unidos, en 1963, Byrd sorprende con A New Perspective, disco en el que incorpora arreglos vocales del gospel pero sin dejar de manejarse dentro de los terrenos del hard bop, con el cual aún no había roto lazos como haría posteriormente para volcarse hacia el jazz-funk. En el que probablemente sea uno de sus discos más importantes, Byrd contaba con un coro de 8 vocalistas conducido por Coleridge Perkinson. Los músicos que sesionaron en este disco fueron Hank Mobley en saxo tenor, un emergente Herbie Hancock frente al piano y Kenny Burrell en guitarra. De este disco surgió la que sería una de sus interpretaciones más exitosas y reconocidas, Cristo Redentor, de su arreglador Duke Pearson. A New Perspective era consecuente con el período de búsquedas e inspiración que el trompetista estaba atravesando, y marcaria el nuevo rumbo que Byrd adoptaría de allí en adelante, con una fuerte tendencia hacia la innovación y entablando un diálogo intensivo con la música africana, probablemente influenciado por las incursiones de Miles Davis en el terreno de la fusión, y también un poco por el agitado clima político, cultural y social de los '6os, al que no supo ser indiferente.

A NEW PERSPECTIVE (1963)
Blue Note
Disco esencial de Donald Byrd, donde plasmó muchos
de los aprendizajes de su tiempo.

Donald Byrd ya estaba ejerciendo la docencia en varias instituciones para mediados de la década del '60, mostrando un enorme interés en la incorporación de la música negra como programa de estudio en las universidades de música de los Estados Unidos. Esta experiencia lo acercaría bastante a un público mas joven, lo que terminaría por delinear su perfil definitivo hacia la vertiente del jazz orientada al funk y el soul, decisión que no sería para nada bien vista posteriormente por los anteriores seguidores del trompetista en su etapa hard bop, entre los que se encontraba un buen sector de la crítica que se había encargado de encumbrarlo. Byrd, sin embargo, ganó una nueva tribu de adeptos, entre los que se encontrarían el público hacia el cual el pretendía orientarse: los jóvenes negros. Es asi que a mediados de la década del '60 realiza sus últimos registros de hard bop, Mustang y Blackjack! (1967), y da inicio a su nuevo ciclo de creación, pateando el tablero con Fancy Free (1969), disco que en mucho remite a la experiencia de In A Silent Way, de su admirado Miles Davis. Algo parecido ocurriría en Electric Byrd con respecto a Bitches Brew, de Davis, en cuanto al nivel de influencia que el trompetista de Illinois estaba ejerciendo sobre el itinerario musical de Byrd en su nueva etapa. La identidad de Byrd termina por adoptar su plenitud a principios de los '70s, cuando el músico empieza a colaborar con los hermanos Larry y Fonce Mizell, quienes comenzarían a manejar los aspectos de la producción, composición y los arreglos musicales del grueso de su obra en esta década.

MUSTANG (1966)
Blue Note
De los últimos despegues del trompetista
dentro del hard bop, mientras se aproximaba
en vuelo rasante hacia las tierras del jazz-funk.

La primera colaboración entre Byrd y los hermanos Mizell dio como resultado Black Byrd (1972), el disco bisagra en el que Byrd logra despegarse por completo de la sombra de Miles Davis para delinear por completo su propia identidad musical, y en donde la presencia del funk ya se vislumbra con total intensidad. Esto marca el punto de no retorno en la relación entre Donald Byrd y los críticos de jazz de ese momento, quienes descalificaron por completo al disco y al artista, viendo en el mismo la representación más sólida de una posible traición a la causa. Es probable que su éxito comercial -fue el disco más vendido del trompetista de toda su extensa producción para Blue Note- haya terminado por convencer a los directivos del sello a no romper su vínculo comercial y artístico con Byrd ante sus impredecibles desplazamientos creativos. Mientras el disco alcanza las primeras posiciones en los charts del Rhytm & Blues, Byrd forma una agrupación llamada Blackbyrds con alumnos de la Universidad de Howard, donde el mismo daba clases. A la par de este proyecto paralelo, Byrd sigue editando discos para Blue Note, completamente asentado en su nuevo estilo. El éxito acompañó a cada una de estas ediciones, que van desde la imaginaria banda de sonido blaxploitation Street Lady (1974) -de la que se desprende uno de sus grandes éxitos de nombre homónimo-, Stepping Into Tomorrow (1974), Places And Spaces (1976) y Caricatures (1977).

SELECCION DISCOGRAFICA DE DONALD BYRD

THE CAT WALK (1961)
Blue Note
BYRD IN FLIGHT (1963)
Blue Note





BYRD IN HAND (1959)
Blue Note
OUT OF THIS WORLD (2003)
Import






OFF TO THE RACES (1958)
Blue Note
THREE TRUMPETS (1958)
Original Jazz Classics





AT THE HALF NOTE CAFE, VOL. 1 (1960)
Blue Note
AT THE HALF NOTE CAFE, VOL. 2 (1960)
Blue Note






FREE FORM (1961)
Blue Note
MUSTANG! (1966)
Blue Note






A NEW PERSPECTIVE (1963)
Blue Note
CARICATURES (1977)
Blue Note






FANCY FREE (1969)
Blue Note
ELECTRIC BYRD (1970)
Blue Note

STREET LADY
(1973) Blue Note
STEPPING INTO TOMORROW
(1974) Blue Note





SLOW DRAG (1967)
Blue Note
BLACK BYRD (1972)
Blue Note

SOBRE EL SOUL-JAZZ (O EL MAS AMABLE DE LOS SUBGENEROS JAZZISTICOS)

Como todavía no considero ser un auténtico "entendido" en la apreciación de ese género tan elusivo, amplio e impredecible que es el jazz, he decidido abordar una de sus vertientes más amables y accesibles (aunque no por ello menos apasionante y vital): el soul-jazz. El criterio elegido consistió en focalizar sobre la figura de los distintos instrumentos que integraban las bandas cultoras de este estilo y, por sobre todo, en los músicos que se encargaron de sacarles lustre con sus recursos expresivos y técnicas de ejecución.

El soul-jazz fue el estilo más popular del jazz realizado durante la década del '60. Los amigos de la AllMusicGuide explican que las diferencias entre el soul-jazz con respecto a sus antecesores dentro del género (el bebop y el hard bop) recaían en el énfasis que este subgénero añadía sobre la sección rítmica, con fuerte predominio de la base como pilar sobre el que se estructuraban y desenvolvían los demás instrumentos, que por demás podían ofrecer melodías consistentes y extensos solos instrumentales, pero cuya magia parecía efervescer del clima circundante entre estos instrumentos con respecto al núcleo central conformado por la base.

Si bien este estilo brindó plataformas de lucimiento ideales para pianistas en la primera mitad de la década (con Horace Silver como una suerte de padrino del movimiento), terminó siendo el órgano quien terminaría adquiriendo, en la segunda mitad de la década, un rol preponderante a la hora de brindarle al soul-jazz un sonido definitivo e inconfundible, inmediatamente reconocible al oído del público. Me propongo, en esta primera entrega, abordar al género focalizando en la figura de estos instrumentalistas, con el fin de dar a conocer algunos nombres injustamente olvidados, reiterar otros inevitables, y un poco también a modo de introducirlos con facilidad a un género de por si bastante agradable como para no ser tenido en cuenta a la hora de ser felices.

Jimmy Smith
(8 de Diciembre de 1928 - 8 de Febrero de 2005)

Sin lugar a dudas, el comandante en jefe del Hammond B-3, quien dio el puntapié inicial para introducir a este instrumento en el jazz y dejar un legado por demas perdurable que se extendió al funk, al soul y, The Doors mediante, también al rock.

Si bien sus intervenciones organísticas se hicieron escuchar durante toda la década del '50, fue en la década posterior cuando su fusión de R&B, blues y gospel se integró con éxito a los patrones del bebop, asentando definitivamente la inserción del Hammond al equipo del soul-jazz, frecuentemente conformado por guitarra, saxo tenor, contrabajo y batería. Cabe destacar que la particularidad del Hammond de aportar notas de base -por intermedio de un pedal- como también la de sumar acordes y poder incorporar líneas melódicas al disponer de dos teclados, le permitieron expandir sus posibilidades dentro del género.

Smith supo colaborar con musicos de la talla de los saxofonistas Lou Donaldson, Ike Quebec y Jackie McLean, el trompetista Lee Morgan y los guitarristas Kenny Burrell y Wes Montgomery -con quien tiene un formidable disco titulado The Dynamic Duo.

Jack McDuff
(17 de Septiembre de 1926 - 23 de Enero de 2001)

"Brother" para los amigos; bajista en sus inicios, se interesó por la ejecución del piano y del órgano a mediados de los '50s, instrumento que supo dominar con rapidez y al que le aportó un estilo irresistiblemente funky. Podría decirse que, entre sus muchos hallazgos, se encuentra el de haber contratado a un joven guitarrista llamado George Benson, con quien conformaría una de las duplas más estimulantes a nivel creativo de la década del '60.

Richard "Groove" Holmes

(2 de Mayo de 1931 - 29 de Junio de 1991)

Con un registro sumamente amplio que le permitía desplazarse desde el blues hacia la balada romántica, "Groove" Holmes ostenta en su haber auténticos duelos musicales con otro gigante del género y el instrumento: Jimmy McGriff. Los Beastie Boys le dedicaron una excelente melodía instrumental en su disco Check Your Head (1992).

Shirley Scott
(14 de Marzo de 1934 - 10 de Marzo de 2002)

La dama del género, señora del soul-jazz y del genial saxofonista Stanley Turrentine, con quien compartió lecho matrimonial y affaires musicales, poseedora de un estilo muy volcado hacia el blues y el gospel, enérgico e insistente en el uso de los pedales. Colaboró inicialmente con el saxofonista tenor Eddie "Lockjaw" Davis. También fue una excelente pianista.

Johnny "Hammond" Smith
(16 de Diciembre de 1933 - 4 de Junio de 1977)

No debe ser nada fácil hacerse acreedor del nombre del instrumento que uno ejecuta como apodo. John Robert Smith puede ostentar ese logro, y de ahi su seudónimo, que en combinación con su apellido nos remite inevitablemente al rey del Hammond B-3. Se inició como acompañante en teclados de la vocalista Nancy Wilson, para firmar luego con el sello Prestige, tener su década dorada junto a su instrumento durante los '60s, y volcarse cada vez mas hacia el funk en los '70s.

Charles Earland
(24 de Mayo de 1941 - 11 de Diciembre de 1999)

Tardó un poco en aparecer, pero termino jugando para las grandes ligas del sello Prestige, albergue de la mayoría de los tecladistas mencionados. De estilo fuertemente influenciado por el de Jimmy Smith y Jimmy McGriff, con quien de hecho colaboró como saxofonista tenor para sufrir un arrebato vocacional tardío ante el instrumento que dominaba su jefe, Earland no demoró en construir un estilo marcadamente personal e identificable caracterizado por su virtuosismo en la ejecución y el intensivo uso del pedal. En el crepúsculo del soul-jazz, Earland se volcó hacia la ejecución del sintetizador y dio un vuelco mucho más orientado hacia el pop y la música disco en colaboración con su esposa, la cantante Shirley Kendrick.

Don Patterson
(22 de Julio de 1936 - 10 de Febrero de 1988)

El organista preferido del saxofonista Sonny Stitt, y de fuerte impronta bebop, Patterson también efectuó su conversión del monoteísmo del piano al paganismo del Hammond luego de haber vislumbrado la presencia mística de Jimmy Smith al frente del instrumento. Se incorporó a las filas de Prestige, conformando un célebre trío con el guitarrista Pat Martino y el baterista Billy James.

Dr. Lonnie Smith

Mi preferido de la lista. Integrante del cuarteto de George Benson, trabajó posteriormente con el saxofonista Lou Donaldson. Es el más funky de todos los organistas, con su característico turbante en la cabeza a cuestas. El Dr. Lonnie Smith sigue aún en actividad, portando una vitalidad digna de sus mejores días, allá por los '60's.
Como curiosidad vale destacar que en el año 2003 editó un disco tributo a Beck en compañía de, ni más ni menos, el impresionante saxofonista David "Fathead" Newman -quien supo ser un estrecho colaborador e integrante de la formación de Ray Charles.

Por cuestiones de espacio y para no abrumar con demasiada informacion, quedaron excluidos de cualquier mencion organistas como Big John Patton -quizas el principal tecladista del sello Blue Note durante la decada del '60, colaborador del guitarrista Grant Green y el vibrafonista Bobby Hutcherson-, Baby Face Willette -de discografia muy acotada-, y Freddie Roach -que supo tener en su haber numerosas grabaciones para Blue Note y Prestige-.

DISCOGRAFIA RECOMENDADA


THINK! (1968)
Dr. Lonnie Smith
Blue Note
DEW NEW YORK DUES (1969)
Don Patterson
Prestige
BLACK TALK! (1962)
Charles Earland
Prestige/OJC


SOUL SHOUTIN' (1963)
Shirley Scott
Prestige
AFTER HOURS (1962)
Richard "Groove" Holmes
Pacific Jazz
DOWN HOME STYLE (1969)
"Brother" JackMcDuff
Blue Note


GOOD 'NUFF (1962)
Johnny "Hammond" Smith
Prestige
CONFIRMATION (1957)
Jimmy Smith
Blue Note
LOVE BUG (1969)
Reuben Wilson
Blue Note


GROOVIN' (1961)
Richard "Groove" Holmes
Pacific Jazz
I'VE GOT A WOMEN (1963)
Jimmy McGriff
Collectables
SHIRLEY SCOTT & THE SOUL SAXES (1969)
Atlantic


FINGER-LICKIN' GOOD (1966)
Dr. Lonnie Smith
Columbia
BLUE MODE (1969)
Reuben Wilson
Blue Note
GOOD VIBRATIONS (1977)
Richard "Groove" Holmes
Muse


SOUL SUGAR (1971) )
Jimmy McGriff
Capitol
HOME COOKIN' (1959
Jimmy Smith
Blue Note
THE HONEYDRIPPER (1961)
Jack McDuff
Prestige/OJC


THE CISCO KID (1974)
Reuben Wilson
Groove Merchant
SOUL STORY (1971)
Charles Earland
Prestige
JIMMY MCGRIFF AT THE ORGAN (1963)
Sue


MR. WONDERFUL (1963)
Johnny "Hammond" Smith
Riverside
A BOWL OF SOUL (1967)
Richard "Groove" Holmes
Loma
MOVE YOUR HAND (1969)
Dr. Lonnie Smith
Blue Note


SELECCION DE TEMAS

Move Your Hand - Dr. Lonnie Smith
Happy 'Cause I'm Goin' Home - Charles Earland
Scream - Dr. Lonnie Smith
Come On Baby - Jimmy Smith
The Vibrator - Jack McDuff
Black Coffee - Johnny "Hammond" Smith
It's Your Thing - Shirley Scott & The Soul Saxes